Andy Denzler

Body & Faces Study 4, óleo sobre papelão, 46x36cm, 2010

Todo artista plástico precisa ter um estilo e uma linguagem próprios. Críticos e colecionadores, mais do que o público, gostam de reconhecer imediatamente a obra de um artista - o que é desejável, desde que esse estilo e essa linguagem não engessem e aprisionem o artista, nem o impeçam de ousar e abandonar linguagens já repisadas. Encontrar esse estilo não é fácil, e muitos, ao encontrar um elemento que o distingua dos demais, agarram-se a ele como um cachorro a um osso. O artista suíço Andy Denzler encontrou esse elemento - derivado de Richter, é verdade - e já produziu várias séries a partir dele.

Watchdog, óleo sobre tela, 300x200cm, 2011

Hypnotized (díptico), óleo sobre tela, 300x200cm, 2011

Fotógrafo e designer gráfico nascido em Zurique, Denzler pintou quadros não-figurativos durante uma década. Por volta do ano 2000, começou a pintar a partir de fotos e vídeos feitos por ele, até que se deparou com um interferência típica de equipamentos analógicos de vídeo. Ele incorporou esse acidente à sua linguagem - que ele desenvolve até hoje.

The Orange Hues of Heaven, óleo sobre tela, 140x120cm, 2010

I Know What You Are, óleo sobre tela, 80x100cm, 2009

Para ele, a pintura tem a capacidade de, ao mesmo tempo, manter e destruir a tradição da representação - um tema central da Arte a partir da invenção da fotografia. Diz ele: "A pintura hoje está num período de hibridização, permitindo ao artista dinimuir a velocidade da produção e do consumo de imagens geradas pela mídia de massa. Ao subvertê-los, o artista pode dar frescor a uma imagem morta, reanimando-a, assim como Lucian Freud pinta a carne, fazendo com que ela tenha uma sobrevida".

Nico, óleo sobre tela, 80x100cm, 2006

Hurricane, óleo sobre tela, 170x180cm, 2010

O problema, a meu ver, é até quando Denzler poderá explorar esse pequeno achado. Pois a interferência em sua pintura é apenas um comentário, que pode tornar-se cansativo ou irrelevante com o passar dos anos. Já vi muitos artistas aprisionados numa "sacada" (odeio esse termo), sem conseguirem desvencilhar-se dela. O aprisionamento é até financeiro - galeristas e colecionadores esperam que ele continue produzindo suas imagens como se fosse uma fábrica. Alguns pintam como pintam e só - como Lucian Freud, cujo estilo era algo profundo e verdadeiro, não um mero achado - e outros ousam mudar, como Gerhard Richter.

Andy Denzler

Para ver mais obras, clique no link ao lado.

Terry Rodgers

His Collection, óleo sobre tela, 137x203cm, 1994

O quadro acima, pintado pelo norte-americano Terry Rodgers em 1994, possui certo parentesco com a obra de um dos maiores pintores vivos, seu compatriota Eric Fischl (já postado aqui). Seu tema era similar: o alheamento e a futilidade da alta classe dos EUA, a tensão sexual, o alcoolismo, cenas de nudez e de praias.

The Watchman, óleo sobre tela, 97x137cm, 1998

Between Acts, óleo sobre tela, 137x213cm, 2000

Por vezes, Rodgers tomava emprestado temas do cinema, e construía cenas bizarras como as duas pinturas acima. A partir de 2003, no entanto, Rodgers começou a pintar modelos masculinos e femininos nus ou em roupas íntimas, em festas regadas a uísque, champanhe e outros aditivos, em ambientes suntuosos. É um voyeurismo um tanto desconcertante, porque esse tema domina sua obra completamente até hoje, numa infindável festa, com pequenas variações.

The Axis of Love, óleo sobre tela, 157x173cm, 2007

Sacrificial Penumbra, óleo sobre tela, 183x290cm, 2010

Se há uma crítica subjacente nessas imagens, ela se dilui no fato de que Rodgers claramente aprecia modelos nuas e bêbadas - e ninguém há de culpá-lo por isso. Mas, assim como todo vício tem suas consequências, a arte de Rodgers sofreu com a transição: ele perdeu sua capacidade de evocar imagens e situações interessantes e apenas se repete, ano após ano, num festa interminável cuja ressaca já se faz sentir. Seu estilo também não amadureceu: ao invés de adquirir uma liberdade e uma fluidez maiores na pincelada, tal qual Fischl, Rodgers foi ficando cada vez mais travado, e o resultado é um hiper-realismo afetado e maneirista.

Transparency of Venus, óleo sobre tela, 183x272cm, 2011

Sammy, óleo sobre tela, 137x170cm, 1997

Eu prefiro o artista de anos anteriores. Terry Rodgers tem 64 anos e aparentemente está ganhando um bom dinheiro com essa telas imensas. Infelizmente, desaprendeu com o tempo, que ao invés de sabedoria lhe trouxe a inconsequência de um adolescente deslumbrado com modelos entediadas e vazias.

Terry Rodgers em seu ateliê

Para ver todas as obras do artista, clique no link ao lado.

Doug Aitken

Migration, 2008

Eu confesso que raramente gosto de obras em vídeo de artistas contemporâneos. Talvez pela dificuldade em se criar algo realmente instigante, ou minimamente original, ou meramente interessante numa época em que imagens digitais em movimento fazem parte do nosso cotidiano. É preciso realmente muita criatividade para comunicar algo num meio que hoje é acessível a todos - qualquer um pode fazer um vídeo digital e editá-lo. A facilidade do meio sempre leva a maneirismos, repetições e por fim à banalização. Obviamente há exceções, e um dos artistas contemporâneos mais criativos que conheço é o norte-americano Doug Aitken.

Text Sculpture, vários materiais, 2008-2011

Aikten nasceu em 1968, em Redondo Beach, na Califórnia. Formou-se em 1991 pela Art Center College of Design, em Pasadena. Através dos anos, construiu uma obra sólida e quase sempre brilhante com vídeos, instalações, performances, site specific, esculturas. Expôs e possui obras nos melhores museus e galerias do mundo, e em 2009 construiu um "pavilhão sonoro" (Sonic Pavillion) no centro cultural de Inhotim, em Minas Gerais: do centro de uma redoma no meio da mata, microfones de alta sensibilidade foram colocados a 200 metros de profundidade, fazendo ecoar no interior da construção os sons das entranhas da Terra.

Sonic Pavillion (projeto e obra acabada), Inhotim, 2009

O artista norte-americano frequentemente cria ambientações com várias telas, projeções, performances e atenção especial à música. No belíssimo trabalho Sleeepwalkers ("Sonâmbulos"), com participação dos atores Donald Sutherland e Tilda Swinton e dos músicos Seu Jorge e Cat Power, cinco vídeos foram projetados nas paredes externas do Museu of Modern Art (MoMA) de Nova York, visíveis da rua. Do lado de dentro, um "happening" (conforme ele gosta de chamar, à moda de Allan Kaprow nos anos 60, ao invés de "performance") com percusssionistas, leiloeiros e uma apresentação de Cat Power. Trechos em vídeo podem ser vistos no site do artista (link ao lado).

Sleepwalkers, 2007

O tema central da obra de Aitken é o sentimento de inadequação e deslocamento do Homem no mundo atual. Para tal efeito, uma de suas obras mais pungentes inverte os papéis, colocando animais selvagens em interiores e quartos de hotel: os vídeos de Migration (2008, trechos no site do artista). Impossível não concluir, vendo as belíssimas imagens, o quanto temos em comum com a Natureza encarcerada e domesticada, literal ou figurativamente. Nesses momentos, a obra de Aitken é profundamente eloquente e plasticamente rigorosa - o que o coloca a milhas de distância de grande parte da produção em vídeo da atualidade.

Migration, 2008

Vale a pena percorrer o site do artista, com fotos e trechos de seus principais trabalhos - embora nada se compare à experiência de ver suas projeções e "happenings" ao vivo.

Doug Aitken, em foto de Aubrey Mayer

Matteo Mezzetta

Dogs, óleo sobre tela, 140x190cm, 2010

Faz um tempo que eu não posto nenhum pintor hiper-realista aqui, então hoje apresento algumas pinturas de Matteo Mezzetta, que nasceu em 1971 e vive entre Lyon, na França, e Milão, na Itália.

Sem Título, óleo sobre tela, 130x180cm, 2007

Noise #2, óleo sobre tela, 120x120cm, 2010

Mezzetta faz uma pintura virtuosa em preto e branco, e divide os seus temas entre ruídos, pessoas, natureza, natureza-morta, interiores, abstrato, arquitetura e vintage. Todos os seus trabalhos podem ser vistos em seu site, cujo link está na barra ao lado.

Sem Título, óleo sobre tela, 120x130cm, 2007

DJ#4, óleo sobre tela, 73x92cm, 2010

Uma característica interessante - e de certa forma desconcertante - nos hiper-realistas é a ausência de comentário sobre a pintura, de justificativa e/ou conceitualização do que produzem. Nada é deturpado, distorcido, desvirtuado sobre a tela. Pinta-se exatamente o que se vê - ou melhor, o que a lente da câmera fotográfica capta. É como se o autor não existisse como criador, mas apenas como um intermediário de um processo mecânico: apontar a câmera, clicar, reproduzir o que se captou com pincéis e tintas. Talvez seja o ápice do voyeurismo.

Loretta Lux

At the Window, 2004

Loretta Lux nasceu em 1969, em Dresden, então Alemanha Oriental. Estudou pintura e formou-se pela Academia de Artes Visuais de Munique, começando a experimentar com fotografia em 1999. Em sua juventude, constantemente visitava museus, onde admirava obras de mestres como Diego Velázquez, Agnolo Bronzino, Francisco de Goya, Caspar David Friedrich e Philipp Otto Rung - obras que acabaram influenciando o tratamento que Lux dá a seus retratos fotográficos de crianças.

The Walk, 2004

The Fish, 2003

A primeira impressão que seu trabalho dá é a de que, apesar de ser fotografia, ele está no limite entre esta e a pintura. A própria artista admite que, sem a sua formação como pintora, ela não conseguiria chegar ao resultado obtido em suas imagens. Sobre a transição de um meio a outro, ela diz: "Eu não gostava do aspecto físico da pintura, mexer com pigmentos, óleo e terebintina. Agora eu uso a câmera como uma ferramenta, abordando a pintura de uma nova perspectiva".

The Blue Dress, 2001

The Drummer, 2004

Na verdade, o trabalho de Lux também envolve pintura - alguns fundos são literalmente pintados por ela. O processo de tratamento da imagem, embora essencialmente digital, exige meses de trabalho, e ela produz apenas de cinco a sete obras por ano. Diz a artista: "Eu organizo formas e cores ao conceber a imagem e ao trabalhar no computador, igual a um pintor trabalhando numa tela". Mesmo especialistas em software para tratamento de imagens têm certa dificuldade em estabelecer exatamente o que a fotógrafa alemã faz.

Girl with Marbles, 2005

Dorothea, 2005

Se é verdade que as crianças habitam seu próprio mundo, Loretta Lux foi bem sucedida em apreender a estranheza do universo infantil.Críticos já usaram toda sorte de adjetivos para descrever essas crianças - de absortas a sinistras. Lux insiste que suas imagens não retratam a criança que posou, mas qualquer criança: uma metáfora para a ideia de infância. Um simulacro, talvez. A artista constrói, manipula e modifica seus retratados para que, conforme ela deseja, cada um veja o que quiser ver.

Paulin, 2002

Siegfried, 2010

Em 2005, Lux recebeu o Infinity Award for Art do prestigioso International Center of Photography. Após morar alguns anos em Dublin, na Irlanda, a artista mudou-se para Mônaco, onde vive até hoje, para fugir dos altos impostos.

Loretta Lux

Para ver toda a obra de Loretta Lux, veja o site da artista no link ao lado.

Wilhelm Sasnal

Smoking Girl (Anka), óleo sobre tela, 45x50cm, 2001

Wilhelm Sasnal nasceu em 1972 na cidade de Tarnów, na Polônia. Em 1992, mudou-se para a Cracóvia, para estudar Arquitetura. Após dois anos, mudou de curso e foi estudar pintura na Academia de Belas Artes. Casou-se com Anka (presença em várias pinturas suas), e ambos começaram a trabalhar numa agência de publicidade. Pouco tempo depois, Anka ficou grávida e ambos perderam o emprego. Voltaram para Tarnów, onde foram morar na casa dos pais dela, e Sasnal começou a pintar desenfreadamente.

Aula de Ginástica, óleo sobre tela, 150x150cm, 2000

Kacper, óleo sobre tela, 75x90cm, 2009

Descontente com o que havia aprendido na tradicional Academia de Belas, Sasnal buscou retratar o que estava à sua volta. Sua experiência com história em quadrinhos e publicidade o levam a uma sintetização da imagem. Na tradição de Gerhard Richter e Luc Tuymans, importa menos o que ele pinta e mais como ele pinta: as pinceladas são exatas, sem exageros; os elementos são reduzidos ao mínimo, as cores são aplicadas com o mínimo de gradação. A pintura é um exercício formal e reducionista, e algumas obras aproximam-se da abstração. Paradoxalmente, é aí que encontra-se a sua força.

Aviões (díptico), óleo sobre tela, 150x300cm, 2001

1948, óleo sobre tela, 65x89cm, 2006

E, assim como no alemão Richter e no belga Tuymans, Sasnal constrói uma espécie de "atlas" pessoal, com imagens que vão desde cenas domésticas (há inúmeras pinturas de sua esposa e de seus filhos Kacper e Rita) a paisagens e referências históricas - durante a 2ª Guerra, sua bisavó morreu em Auschwitz, e alguns membros de sua família foram levados para a Alemanha para fazer trabalho forçado. A temporada na Cracóvia, perto do maior campo de concentração nazista, levou Sasnal a mergulhar numa pesquisa sobre o tema. "Auschwitz não é apenas um lugar num livro de História, é algo pessoal", diz ele.

Banhistas em Asnières (a partir de Seurat), óleo sobre tela, 160x120cm, 2010

  

Kacper e Anka, óleo sobre tela, 180x220cm, 2009

Apesar de trabalhar com outros suportes (como o vídeo), Sasnal é acima de tudo um pintor. Sobre a escolha dos temas, ele diz: "Não há regras; eu encontro imagens em qualquer lugar. Eu tenho um assistente, mas ele não me ajuda a pintar porque eu não planejo nada. Eu penso na pintura como descer uma montanha numa snowboard - você nunca sabe o que vai acontecer".

Retrato, óleo sobre tela, 50x73cm, 2001

Carro, óleo sobre tela, 181x181cm, 2002

O reconhecimento veio para Sasnal ainda quando morava na pequena cidade de Tarnów, longe dos grandes centros culturais da Polônia. Ele diz: "Tarnów é isolada, minúscula; não há cultura, não há uma cena artística. Então, felizmente, eu fiquei longe disso tudo. O sucesso repentino poderia ter subido à minha cabeça. Então, ao invés de começar a comprar coisas e ter um ateliê enorme, nós continuamos com a nossa vida simples". Em 2006, ele voltou a morar na Cracóvia, onde alugou um pequeno apartamento de um quarto para pintar. No mesmo prédio, tem outro apartamento, onde vive com Anka, Kacper e a pequena Rita.

Wilhelm Sasnal

Para ver mais trabalhos, clique no link ao lado.

Evgen Bavcar

"Liubliana com o Dragão"

Anos atrás eu vi em São Paulo uma exposição do fotógrafo e filósofo esloveno Evgen Bavcar (lê-se "óiguen"), e assisti a um documentário sobre sua vida e obra, com a presença do artista, que possui uma característica ímpar em um fotógrafo: ele é completamente cego.

"Bicicleta com Andorinhas"

Bavcar nasceu em 1946, numa pequena cidade eslovena perto de Trieste. Aos 12 anos perdeu a visão, incrivelmente, em dois acidentes diferentes: um olho foi perfurado por um galho de árvore, o outro foi afetado por um detonador de minas. Ele conta: "Eu não fiquei cego imediatamente; foi aos poucos. Durou meses, como um lento adeus à luz. Então eu tive que correr para captar as coisas mais belas, imagens de livros, cores e fenômenos celestes, e levá-las comigo numa viagem sem volta".

"Nu com Andorinhas"

"Retrato com Mãos"

Aos 17 anos, pegou da irmã uma máquina fotográfica russa Zorki 6, simples e barata, para fotografar uma menina da escola por quem era apaixonado. Diz ele: "O prazer que eu senti ao tirar a minha primeira foto foi o de ter roubado e captado em filme algo que não me pertencia. Foi a descoberta secreta de que eu poderia possuir algo que não posso ver".

"Hanna Schygulla"

"Véronique e o Pato"

Evgen Bavcar fotografa, a priori, a memória. Um portão por onde passava na infância, as andorinhas de sua cidade natal, casas, monumentos, a atriz alemã Hanna Schygulla (que virou sua amiga). Auxiliado pela irmã, frequentemente usa a técnica da superposição, o que confere às imagens um caráter onírico. Sobre essas imagens, ele revela: "Eu tenho uma galeria pessoal mas, infelizmente, só eu posso visitá-la. Os outros podem entrar nela através das minhas fotografias. Mas elas não são mais originais. São apenas reproduções".

"Máscaras em Veneza"

"Genebra com a Águia"

Atualmente morando em Paris, Bavcar é doutor em História, Filosofia e Estética pela Universidade de Sorbonne. Sobre a imagem que abre este post, ele explica: "O dragão é o símbolo de Liubliana, a capital da Eslovênia. O dragão é um símbolo da noite; na mitologia, é o símbolo da força da Escuridão. Quando São Jorge vence o dragão, ele também vence a Escuridão. (...) Para mim, as cidades da Europa existem à noite, mas é muito difícil tirar fotos à noite, porque as cidades são iluminadas demais. As pessoas têm medo do escuro".

Evgen Bavcar

Para ver mais obras de Evgen Bavcar, clique no link ao lado. Veja abaixo o trecho (legendado em português) dedicado a ele em "Janela da Alma", documentário de 2001 dirigido por João Jardim e Walter Carvalho: