Leminskiana nº 4

Gerhard Richter, Seascape, 290x290cm, óleo sobre tela, 1998

    um dia sobre nós também

vai cair o esquecimento

    como a chuva no telhado

e sermos esquecidos

    será quase a felicidade

Poema de Paulo Leminski, publicado no livro "La Vie en Close" (Brasiliense, 2ª edição, 1991)

Ling Jian

Army Princess, óleo sobre tela, 250x180cm, 2009

"O comunismo não é amor. O comunismo é o martelo com o qual nós esmagamos o inimigo." A frase de Mao Tse-tung sempre ecoou na cabeça de Ling Jian, nascido em 1963 na província de Shandong, na China. Quando criança, ele viveu os últimos momentos da Revolução Cultural, que chegaria ao fim com a morte de Mao em 1976. Após formar-se em 1986 pela Escola de Arte da Universidade de Qinghua, em Beijing, o artista mudou-se para Viena, depois Hamburgo, vindo mais tarde a dividir residência entre Berlim e Beijing.

Palace Servant nº 8, óleo sobre tela, 190cm diâmetro, 2007

Grew Up Under Sunshine nº2, óleo sobre tela, 180x250cm, 2008

Mesmo longe de seu país, seus temas continuaram intrinsecamente chineses, nas marcas indeléveis deixadas pela vida sob o regime comunista. Conhecido pelos seus enormes retratos de mulheres, Ling Jan na verdade faz um manifesto político e social - subverte o papel da mulher sob o comunismo chinês, aquele da "irmã" combatente mas abnegada e sujeita à mão pesada do Partido, conferindo-lhe sensualidade e, através dela, o individualismo. Alguém pode enxergar aí o outro lado da moeda - a mulher chinesa como símbolo e fetiche sexuais. Ou talvez, numa análise mais profunda, Ling Jan faça o retrato mais instigante da China atual, ainda dividida entre o passado e o futuro, em busca de sua própria identidade no mundo contemporâneo.

Angel Party nº 2, óleo sobre tela, 250x180cm, 2009

Don't Cry For Me nº 2, óleo sobre tela, 180x150cm, 2007

Outro aspecto característico de sua obra é o humor, com suas mulheres nuas, de quepes militares, às vezes empunhando armas. Os títulos irônicos das pinturas e das séries fazem alusão direta à Revolução Chinesa: "Não Chore Por Mim", "Irmãs Comunistas", "Princesa do Exército", "Não Ame a Beleza, Ame o Poder das Armas" - esta remetendo à famosa frase de Mao. Ling Jian é apenas um entre vários pintores chineses brilhantes, que fizeram a sua própria revolução na arte contemporânea. Em breve escreverei sobre eles.

Propaganda Party, óleo sobre tela, 190cm diâmetro, 2008

Para ver mais obras, acesse o site do artista, na lista de links ao lado.

Mulheres Pintando Mulheres

Andrea Kowch, The Feast, acrílica sobre tela, 152x213cm, 2010

Recentemente descobri um blog muito interessante chamado Women Painting Women, que, como o nome já diz, traz um apanhado de pintoras figurativas que, entre outras coisas, pintam retratos de mulheres. A lista é extensa, e é preciso garimpar artistas talentosas entre as muitas que fazem uma pintura acadêmica apenas passável. Por acadêmico, para quem não sabe, entende-se "convencional": retratos clássicos, em poses previsíveis, uma preocupação com o realismo que parece engessar qualquer criatividade, nenhuma originalidade em nenhum aspecto da obra. Mas o trabalho de garimpo vale a pena, pois entre elas também há talentos inegáveis, como a sensualidade pop e irônica de Suzy Smith, que ecoa Mel Ramos:

Suzy Smith, Dessert, óleo sobre tela, 60x46cm, s/d

Outras fazem uma pintura hiper-realista muito interessante, como Cynthia Westwood, Mary Handerson e Jan Nelson:

Cynthia Westwood, Sitting in Bath, óleo sobre tela, 121x81cm, 2007

Mary Henderson, October, óleo sobre tela, 20x20cm, 2003

Jan Nelson, Gracie, óleo sobre tela, 76x58cm, 2011

Há também composições interessantes de Jennifer Presant, Anelicia Hannah e Carle Shi:

Jennifer Presant, Still Moving, óleo sobre tela, 59x106cm, s/d

Carle Shi, Thoughts, óleo sobre tela, 127x167cm, s/d

Anelicia Hannah, Gestation, óleo sobre tela, 121x121cm, 2010

Vale a pena passar algumas horas navegando pelo blog - são muitas pintoras, e clicando no nome delas, sob a imagem, você é direcionado para o site da artista, onde há uma galeria com suas obras.

Victoria Selbach, Nicole At Mille Fleurs, óleo sobre tela, 91x152cm, s/d

Erin Cone, Charade, acrílica sobre tela, 91x121cm, 2011

Jane Cruickshank, Solitary III, óleo sobre tela, 76x106cm, s/d

Para acessar o blog, clique aqui no link na barra ao lado.

Gerhard Richter na Pinacoteca

Betty, óleo sobre tela, 102x72 cm, 1988

Acabo de voltar da exposição do artista alemão Gerhard Richter na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Para resumir numa palavra: decepcionante. Segundo o release da própria instituição, são "27 pinturas escolhidas pelo próprio artista, desde os trabalhos de fotografia-pintura dos anos 1960 até as pinturas abstratas dos anos 1980 e 1990". Na verdade, desse já pequeno lote (de um artista que possui uma obra tão extensa), apenas 12 são pinturas originais, dessa última fase, a mais fraca do artista: um mero exercício de texturas e tonalidades, para quem não teme aceitar que mesmo um artista brilhante possui fases redundantes (as primeira séries abstratas são da década de 60). O restante das "imagens" são meras reproduções fotográficas, inclusive de sua famosa pintura "Betty", de 1988, vista acima. Eu sou da opinião que, se for para ver reproduções fotográficas de pinturas, eu prefiro vê-las em casa, em meu monitor widescreen de alta definição - mesmo que o próprio Richter às vezes reverta o processo de pintar a partir de uma fotografia, depois fotografando a pintura. Nada substitui a experiência de estar a um palmo de distância de uma pintura original.

Leitora, óleo sobre tela, 72x102cm, 1994

Leitora, óleo sobre tela, 51x71cm, 1994

A minha decepção foi ainda maior porque eu engrosso o coro de fãs de Richter, um artista irrequieto, original e corajoso. Sua maior coragem, a meu ver, foi libertar-se de um mandamento fundamentalista da arte, aquele que prega que um artista deve possuir um estilo imediatamente reconhecível, um obra coesa, que vai de A a B e depois a C. Quem procurar coerência na obra do artista alemão dará com a cara na parede, e muitas vezes a crítica não soube como classificá-lo. Diz Richter: "A teoria não tem nada a ver com a obra de arte. Uma pintura interpretável, que contém um significado, é uma pintura ruim. Uma pintura se apresenta como o Indisciplinável, o Ilógico, o Sem Sentido". Não ter um estilo próprio nem uma obra reconhecível, afinal, acabou virando o seu estilo. Quanto às hierarquias da arte, o artista é taxativo: "Eu não acredito em nada".

Mergulhador II, óleo sobre tela, 80x80cm, 1965

Uma das primeiras fases de Richter (nascido em Dresden em 1932) mostra pinturas borradas (uma de suas marcas registradas), feitas a partir de fotos que ele tirava ou pegava em jornais e revistas. Os borrões assumem um efeito duplo: dão à imagem um aspecto fotográfico, de um "erro" mecânico e, ao mesmo tempo, atestam a interferência do pintor sobre aquela imagem, dando-lhe plasticidade e um aspecto autoral ao que seria uma simples representação da realidade. Sobre esses trabalhos, diz o artista: "Eu nunca achei que houvesse algo faltando nas telas borradas. Pelo contrário: você pode ver muito mais coisas nelas do que numa imagem com o foco preciso. Uma paisagem pintada com tal exatidão força você a ver um número determinado de árvores claramente definidas, enquanto numa pintura borrada você pode enxergar quantas árvores quiser. A pintura é mais aberta".

Fausto, óleo sobre tela, 295x675cm, 1980

Tal mecânica de apreensão/cópia/representação da realidade é, em última instância, o que interessa ao artista, e tão somente - o tema é secundário. Richter pintou à exaustão carros, aviões, animais, maçãs, velas, nuvens, praias, prédios, portas, cortinas, flores, crânios, tubos. Mesmo os retratos são pintados de forma "fria" e impessoal, seja de sua filha Betty ou dos 48 ilustres retirados de uma enciclopédia. E, com o mesmo distanciamento, passou a pintar quadros abstratos, chegando ao máximo da sistematização com as "Cartelas de Cores", série iniciada em 1966 e que se estendeu até 2007. Outras fases incluem óleos sobre papel, aquarelas, desenhos, pinturas sobre fotografia, gravuras, "microsites" e a imensa série Atlas: 783 painéis com imagens que serviram de inspiração, direta ou indiretamente, para a obra de Richter.

25 Cores, esmalte sobre Alu-Dibond, 49,7cmx48,7cm, 2007

O que liga o artista da primeira imagem desta página ao artista desta última? O que deseja, de fato, Gerhard Richter? Talvez seja melhor refrearmos o nosso intelecto e nos entregarmos aos sentidos, pois, conforme ele mesmo disse: "Falar sobre pintura não faz sentido. Ao tentar transmitir alguma coisa através da linguagem, você a modifica. Você constrói qualidades que possam ser ditas, e deixa de fora aquelas que não podem ser ditas, que são sempre as mais importantes".

Não deixe de ver o completíssimo site do artista, no link ao lado.
Clique abaixo para ver uma entrevista com Gerhard Richter (sem legendas):

Leminskiana nº 3

René Magritte, L'Empire des Lumières, óleo sobre tela, 1953-54

"Ut pictura, poesis..."
(Horácio)



    Para que serve a pintura
a não ser quando apresenta
    precisamente a procura
daquilo que mais aparenta,
    quando ministra quarenta
enigmas vezes setenta?


Poema de Paulo Leminski, publicado no livro "La Vie en Close" (Brasiliense, 2ª edição, 1991)

Adams Carvalho

Embora seja considerada inferior à obra artística e autoral (talvez injustamente), a ilustração requer um poder de síntese e uma objetividade muito difíceis de se atingir. Alguns artistas, no entanto, conseguem transitar com segurança e desenvoltura nos dois campos, como é o caso de Adams Carvalho.

Nascido em Sorocaba, SP, e morando na capital desde 1999, Adams se formou em Artes Plásticas pela Escola de Comunicação e Artes da USP em 2005. Atualmente é o ilustrador da coluna de Gilberto Dimenstein na Folha de S. Paulo e da Revista da Folha. Também já fez trabalhos de animação para a MTV Brasil.

 

Xilogravuras digitais, s/d

Cada técnica exige uma abordagem e um talento específicos. Em desenhos, aquarelas, nanquins, xilogravuras digitais, vetoriais, acrílicas sobre papel ou óleos sobre tela, Adams se mostra excepcional, com imagens sempre evocativas - e fica evidente o quanto o talento para compor narrativas de forma sucinta se revela também nas pinturas. O ilustrador alimenta o pintor e vice-versa.

Sem Título, acrílica sobre tela, 25x50cm, 2007

Ele também possui uma série extensa de acrílicos sobre tela que mostram ambientes vazios, geralmente com pouca iluminação, às vezes com o campo de visão quase rente ao chão. O efeito, novamente, é o equivalente a uma narrativa "aberta", onde podemos povoar esses ambientes com nossos próprios personagens - e fantasmas.

Para maiores informações e ver mais trabalhos, acesse o site do artista, no link ao lado.

Ana Elisa Egreja

Há algum tempo venho garimpando o trabalho de pintores em vários sites, e tive a grata surpresa de descobrir muitos talentos, principalmente artistas jovens, que estão revitalizando a pintura e apontando novos caminhos para a figuração, aliando domínio técnico, originalidade temática e ousadia. E de todos esses artistas, a que mais me impressionou foi Ana Elisa Egreja, que possui um trabalho estupendo.

Poça, óleo sobre tela, 200x300cm, 2011

Ana Elisa formou-se em Artes Plásticas pela FAAP e fez parte do grupo 2000e8, que reunia, entre outros, Rodolpho Parigi e Renata De Bonis. O grupo, em essência e de modo mais do que louvável, defendia a pintura e fomentava o debate e a troca de ideias, apostando num formato e num meio que muitos insistem em subestimar. Manter-se dentro do espaço bidimensional de uma tela e de uma tradição milenar e povoada por grandes mestres não é para qualquer um. Conseguir uma voz própria é para os excepcionalmente talentosos, como Egreja.

Escada, óleo sobre tela, 160x130cm, 2011

Apesar da pouca idade (ela tem 28 anos) e da carreira ainda no início, a artista desenvolveu uma obra sólida e eloquente, que já passou por algumas fases temáticas, como a série "Dark Room", de um humor desconcertante. Nela, vemos animais - alguns de raças diferentes - em cópula ou situações inusitadas, sempre em ambientes carregados de informações visuais, beirando o kitsch - papéis de parede estampados, cortinas pesadas, poltronas aveludadas, além de objetos que ela espalha pela composição, como props de algum filme de David Lynch.

Honeymoon, óleo sobre tela, 200x180cm, 2010

Diz a artista: "Os animais são amorais e irracionais, e podem ser dóceis, repulsivos, ingênuos ou manipuladores por instinto... acho que é essa 'capacidade de tudo' que me interessa". À primeira vista, perguntei-me se um dia veremos pessoas povoando esse universo surreal de Ana Elisa. Troque-se "animais" por "seres humanos" e tem-se a medida da visão crítica da artista.

Guel, óleo sobre tela, 100x100, 2009

Quando falo em "surreal", refiro-me ao termo exato. Os surrealistas pregavam o "automatismo psíquico", sem a interferência da razão, e Buñuel muitas vezes filmava algo que havia sonhado, sem se importar com o significado. Segundo Ana Elisa, os temas vêm de forma natural, não planejada, e um elemento leva ao outro. Obviamente, mesmo ideias aparentemente sem explicação exigem mestria na execução - Buñuel podia filmar um sonho sem sentido, mas o fazia com brilhantismo e domínio do meio. Egreja, da mesma forma, possui domínio completo sobre a composição, com uma riqueza de detalhes vertiginosa, executados com precisão - fruto de até dez horas diárias de trabalho.

Janela, óleo sobre tela, 130x160cm, 2011

Eu me pergunto como Ana Elisa Egreja estará pintando daqui a dez, vinte anos. Será que os seres humanos um dia povoarão o seu mundo, onde a luz por vezes entra para revelar ambientes supercoloridos e ao mesmo tempo desolados? Uma coruja nos observa do peitoril de uma janela na cozinha. Como Buñuel e Lynch, Ana Elisa nos conta histórias estranhas e intrigantes, que nos acompanham para sempre, como toda grande obra de arte deveria ser.

Ana Elisa Egreja

Para ver mais obras da artista, clique no link ao lado.